El cuerpo humano como medio de expresión visual

El cuerpo humano también se convierte en lienzo o medio para la creación de imágenes. En otras palabras, la piel o algunas partes del cuerpo se usan como superficie para hacer todo tipo de dibujos, pinturas o modificaciones.

Maquillaje

El uso del maquillaje lo encontramos en muchas de las culturas antiguas de todos los continentes. Así, vemos caras pintadas, labios marcados o torsos dibujados que, en su mayoría, tenían significados rituales y funerarios.

Incrustaciones o modificaciones

También existen las alteraciones o modificaciones del cuerpo con diferentes usos o significados. Por ejemplo, en las culturas mesoamericanas antiguas y tribus africanas de ayer y hoy, la nariz se perfora o el lóbulo de la oreja se deforma para incrustar anillos de diferentes tamaños, algunos realmente grandes.

Tatuajes
Los tatuajes son otra forma de decorar el cuerpo, pero de manera permanente, pues la tinta se inyecta en la piel, aunque también existen los llamados tatuajes temporales, que suelen ser calcomanías o hechos con pinturas resistentes que duran varios días.
Sus usos y significados varían, al igual que el maquillaje, pues los hay con fines rituales, religiosos o mágicos, como una forma de identificar y pertenecer a una tribu, grupo o pandilla y como una manera de decorar el cuerpo.

Vestimenta
La manera de vestir también ha sido fundamental en las representaciones del cuerpo humano. La ropa que vemos en imágenes nos habla de costumbres, creencias religiosas, ideologías, materiales o gustos de diferentes lugares y épocas en todo el mundo.

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Algunos materiales que se utilizan en los murales

En los murales se pueden usar ciertos minerales, piedras, objetos y materiales resistentes a la intemperie. Un ejemplo claro es el mural de la Biblioteca Central de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde el arquitecto y pintor mexicano Juan O´Gorman cuenta parte de la historia de la cultura mexicana a través de símbolos que conforman las cuatro paredes del mural. O´Gorman viajó por la República Mexicana buscando piedras y minerales de colores que tuvieran el mismo tono para el colosal mural.



Juan O´Gorman

Algunos muralistas hacen uso de vidrio de botella de color verde, rojo o azul, pedazos de cerámica, mosaicos en cuadritos de diferentes colores y hasta imágenes de santos, jarritos y canicas; todos estos materiales son un recurso accesible. La manera de más práctica para hacer un mural con este material es colocarlos mientras el cemento, yeso o pasta aún estén frescos.

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Temas y preocupaciones de carácter social y del entorno natural

Como hemos explicado hasta ahora, la naturaleza ha tenido diferentes funciones a lo largo de la historia del arte. Ha servido a los artistas como fuente de inspiración desde siempre, así sea para crear un fondo que acompañe la escena principal de la obra hasta convertirse en la representación principal de ella como medio de expresión de ideas y emociones.

En esta lección veremos cuándo el entorno pasa de ser fuente de inspiración y representación, a fuente de concientización y parte de la obra misma.

Los artistas no son ajenos a los problemas que surgen en su entorno y se hacen conscientes de su papel como transmisores o portavoces de la sociedad. Muchos de ellos tratan de que, por medio de sus obras, se despierte una conciencia y en el mejor de los casos, se logre una acción. Así, el arte se convierte en una herramienta eficaz para denunciar lo que no vemos, o más bien, lo que no queremos ver y que nos afecta como sociedad.

El llamado Land Art (Arte de la Tierra) es otro movimiento que surge en los años setenta presentando una aguda visión de la relación del hombre con la naturaleza.

Christo, Sombrillas amarillas

Este arte busca denunciar por medio de intervenciones hechas directamente en la naturaleza, como el hombre al querer dominarla, controlarla, someterla y explotarla ha roto el equilibrio de su relación con ella. En alguna medida el progreso desmedido es responsable de romper con esta armonía y los artistas tratan de hacerlo evidente con sus obras al expresar como la naturaleza ha dejado de ser un espacio sagrado para pasar a ser un espacio dominado y destruido por el hombre, quien no se da cuenta de su fragilidad.

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Artistas visuales cuyo tema principal es el cuerpo

Ahora veamos representaciones del cuerpo humano que pueden sugerir un tema, aunque no necesariamente haya sido esa la intención principal del artista. Es decir, una escena de amor en la obra, no significa que se haya querido transmitir ese sentimiento en particular, sino que el contenido tiene significados e intenciones muy particulares del artista y se pueden interpretar, a su vez, de manera distinta por el espectador. Veamos como los artistas recurren una y otra vez al cuerpo humano para expresarse.

El aniversario, Marc Chagall

Amor
Son representaciones del cuerpo en las cuales vemos no solo el amor de una pareja, sino también lazos familiares, amor fraternal o de amistad.

Mujer bebiendo ajenjo, Pablo Picasso

Autoconocimiento y  personalidad

En los retratos psicológicos, por el tratamiento que se dé al cuerpo, sabemos más de la personalidad o carácter de la persona representada.

La adivinadora de la fortuna, George de La Tour

Edad y experiencia de vida

En esta obra vemos diferentes edades y experiencias gracias al tratamiento de la piel y posturas del cuerpo. La piel arrugada de la señora, así como su boca desdentada, ademas de sugerirnos su edad, le da un aire de experiencia y astucia; mientras que el tratamiento en la piel, labios, postura y expresión del muchacho hablan de su juventud e inocencia. La expresión en los ojos de la joven con pañuelo blanco en la cabeza es de alerta ante el robo que se comete.

Señor y señora Manet, Edgar Degas

Roles masculino y femenino

El tratamiento que el pintor hace de los cuerpos en este cuadro sugiere actitudes características de ambos sexos. Por un lado, una mujer en movimiento, como trabajando, mientras el hombre muestra una actitud de esperar por ser atendido. Fíjate cómo el artista recurre a los contrastes de luz y oscuridad para destacar los sentimientos de los personajes y el ambiente general de la escena. 

La tormenta, Javier Pacheco

Sensualidad y sexualidad

Que mejor que el cuerpo humano para representar temas de sensualidad en el arte. No solo mediante el desnudo se puede expresar sensualidad, también mediante figuras, posturas, trazos, colores y gestos.

La libertad guiando al pueblo, Eugéne Delacroix

Vida y muerte

Estos son dos conceptos constantemente representados con cuerpos, símbolos, colores y atributos a lo largo de la historia del arte. En esta obra, una de las más famosas en la historia, el cuerpo de la mujer simboliza la libertad y por lo tanto la vida, mientras que la muerte se representa por los cuerpos caídos. El artista buscó transmitir los ideales de la Revolución Francesa como un nuevo camino de vida para el pueblo.

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Identificación y observación de diversos tratamientos en el retrato

Retrato documental

En el se presentan elementos importantes de la cultura o la época en que se realizó. Al igual que en la fotografía documental, estas imágenes se caracterizan por retratar hechos reales de acontecimientos históricos, en este caso, retratos de personalidades del lugar y la época.

Porfirio Díaz

Retrato alegórico

Este tipo de retratos se refiere a las alegorías y atributos que se representan para simbolizar algo. Fue un retrato muy requerido por la aristocracia y la clase gobernante, pues creían que por medio de posturas, ropaje u objetos lograban transmitir su poder.

Retrato alegórico del Duque Leopoldo I

Retrato publicitario

Es el retrato que se toma con fines comerciales y cuyo objetivo es vender algún producto. Todos los elementos, como el maquillaje, la luz y los espacios se preparan para que el retrato subraye las cualidades de los productos, que para publicarse recurren, por lo general, a cierto concepto de la belleza física.

Retratos psicológicos

Es el tipo de retrato que simboliza la parte emocional o íntima del representado, por lo cual, mediante gestos, se deduce su personalidad, sentimientos o carácter. Una de las corrientes en la que encontramos un sinnúmero de ejemplos de retrato psicológico es el expresionismo. Los retratos y autorretratos del pintor holandés Vincent Van Gogh (1853-1890) son una clara muestra de esta categoría.

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Diversos tratamientos del cuerpo humano en retratos de diferentes épocas

El retrato es una imagen en la que está representada una persona; puede ser dibujo, grabado, pintura, escultura o fotografía y por lo general en él vemos elementos compositivos que describen mejor a quien representa.

Los retratos se han presentado desde las pinturas rupestres hasta nuestros días, esto responde a una inquietud humana de permanecer en la memoria colectiva "grabándose" en una imagen.

Los retratos, según la época en que se realicen, muestran e incorporan elementos que hablan de los gustos, actividades importantes, personalidad o posición social, entre otros aspectos, de los retratados.

Retrato de Augusto

 Retrato funerario romano-egipcio

Retrato de panadero y su esposa

El retrato se representó cada vez de manera más realista, resaltando elementos que identificaban la posición o profesión del representado.

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Estilos en el muralismo

Así como cada artista eligió la técnica que más le gustaba, también tuvo cada uno su propio estilo. El de Orozco se puede definir como obras épicas que narran una despiadada lucha de clases y muestran a un pueblo engañado y explotado. Tienen gran fuerza expresiva, ironía, agresividad, dramatismo y el colorido es un tanto sobrio. Orozco pintó las paredes del patio grande de San Ildefonso con representaciones del origen del mestizaje y la tragedia humana de la revolución. En el Palacio de Bellas Artes está una de sus obras más importantes: La catarsis

y en la bóveda del Instituto Cultural (antes Hospicio) Cabañas en Guadalajara, Jalisco: El hombre de fuego. También realizó varios murales en EUA. Su obra mural es menos política que la de Siqueiros y Rivera, pues refleja más bien el dolor humano como una condición universal de los pueblos.

En el caso de Siqueiros, el estilo de su obra, podría decirse que es el reflejo de su temperamental carácter y pasional sentido de la vida, de ahí la presencia de: colores vivos, perspectivas acentuadas, fuerte expresividad y monumentalismo. En el mural: La marcha de la humanidad en el Poliforum cultural, posee gran dinamismo en la formas, presencia salvaje del denominado realismo épico o una descarnada crítica en la temática.

Diego Rivera dio origen a un estilo artístico conocido como Mexicanidad, enfocándose en el legado cultural mexicano y utilizando un fuerte estilo que con frecuencia aplanaba elementos tridimensionales en dos dimensiones y presentando objetos más amplios y robustos de lo que eran en realidad.

El arte de Diego Rivera fue fuertemente influenciado por sus raíces. Pinturas como La Tortillera, que mostraba a una mujer haciendo tortillas de la misma forma que se habían hecho a través de la historia mexicana, representan esta apreciación por sus raíces.

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La encáustica y el temple

La encáustica consiste en mezclar los colores con cera fundida o resinas para facilitar su aplicación, lo que da un terminado "encerado" a la superficie.

El temple utiliza sustancias como la yema de huevo, leche, colas o gomas como medios para mezclar los pigmentos. Se usa en la restauración de frescos.

Diego Rivera recurrió mucho al fresco, así como a la utilización de mosaicos, al igual que Orozco y Juan O´Gorman. Siqueiros fue quien más experimentó con los materiales, pues utilizó cementos coloreados, resinas sintéticas y pinturas industriales para automóviles, las cuales aplicaba con pistola de aire para dar textura, ademas de incorporar todo tipo de materiales en sus obras.

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Técnica y formato

El formato y la ubicación de una obra mural son piezas clave para lograr su función didáctica, ya que su tamaño está estrechamente relacionado con el impacto que genera en el espectador. Los soportes, ademas de los muros y las paredes, son bases de metal rellenas de cemento, cal y polvo de mármol o arena, ya que se fijan al muro por medio de pernos y ménsulas, procurando dejar una separación entre la base y el muro para evitar el contacto con la humedad que pudiera tener la pared y provocaría cuarteaduras y otros deterioros.

Las técnicas de pintura más utilizadas en el muralismo mexicano fueron el fresco y la encáustica, aunque también se usaron medios como piedras o mosaicos.

El fresco es la técnica más antigua dentro de la pintura mural. Se utilizan pigmentos minerales y agua como medio para mezclarlos y plasmarlos sobre una pared enyesada previamente para obtener una superficie húmeda o "fresca" al aplicar los pigmentos. El artista debe ser sumamente cauteloso al pintar y tiene que calcular cundo la superficie está en condiciones "frescas" perfectas. Si está muy mojada, no absorberá el pigmento, y si por el contrario está muy seca, la pintura no podrá penetrar bien el muro y al secarse se volverá polvo.

La encáustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección).

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